Eric Dolphy / Out to Lunch ～一番長く聴き続けているジャズアルバム

1980年代、僕が20代の初めの頃です。洋楽好きの兄や、友人たちが、次々とジャズを聴き始めました。

それまでは、ロックやソウル、クロスオーバー（フュージョン）など、エレクトリック音楽を聴いていた人たちです。

それが、アコースティックなジャズに転向していったのです。50～60年代の、4人から6人程度のコンボ（小編成）による作品です。

当時、僕のまわりでは、ジャズは、芸術的な大人の音楽といったイメージを帯びていました。

ポップ寄りのソウルや、フュージョン、YMOなどを聴いていた僕も、何となくジャズを聴かなければいけないような雰囲気になってきました。

とはいえ、すでに兄などが聴き始めている、John Coltrane や Thelonious Monk を後追いするのも、癪にさわりました。

どうせならば、彼らの聴いていないような、自慢できる作品をと思い、探してみました。

その結果、手にしたのが、Eric Dolphy の「Out to Lunch」でした。1964年の作品です。

1曲目「Hat and Beard」は、各楽器が一音、一斉に鳴り、続いて変ったテーマ・メロディーが始まる幕開けです。リズムは9拍子です。

音階は、何長調、何短調といった調性を感じさせない、ダークな印象です。

リーダーの Eric Dolphy が吹くバス・クラリネットの低音が、それを加速させていきます。

テーマが終わると、Eric のソロがはじまります。無調で、「馬のいななきのような」と、揶揄されたノイズ的な音を交えながら、高音から低音まで、自由なリズムが激しくのたうち回ります。

ドラムの Tony Williams も、一定のリズムではなく、自由で強烈なパルスを打ち出します。いかにも「フリージャズ」といった印象です。

それでもとりあえず、5人のメンバー全員がギリギリのところでテーマのリズムをキープしているかのような作品です。

2曲目「Something Sweet, Something Tender」は Eric のバス・クラリネットと、Richard Davis のウッド・ベースの弓弾きで始まります。ダークでゆったりとしたリズムの曲です。

この曲では、Eric のソロは自由に動き回るものの、定まったリズムがキープされています。

3曲目「Gazzelloni」は一転、軽快な4ビートで始まります。Eric はフルートを吹いています。強く、パーカッシブな音を奏でるなど、小鳥が飛び回っているようなイメージが浮かぶソロです。崩れかけながらも、4ビートをなんとかキープする印象です。

続けて、B面です。Eric が楽器をアルト・サックスに持ち換える展開です。

B1、4曲目「Out to Lunch」はアルバムタイトル曲です。マーチのような軽快さを感じさせる作品です。

5曲目「Straight Up and Down」は、酔っぱらいの千鳥足といった風で、それぞれ個性的です。

以上すべてを聴き終わり、当時の僕は、正直なところかなり疲れました。

とても難解な1枚でした。背伸びし過ぎたかなとも感じました。

ですが、「大人の音楽」に弾き返されたままでいるのも嫌なので、もう一度、続けて聴いてみることにしました。

さらにもう一度、もう一度…と、聴き込んでいくうちに、僕はいつの間にか、このアルバムの魅力に引き込まれていきました。

ついには、この作品は、僕が「こんにちまでもっとも長い間、聴き続けているジャズのアルバム」と、いうことになっています。

この「Out to Lunch」で、際立つものといえば、 Eric のソロです。調性もリズムもまさにフリーですが、その分イメージのままに演奏しているように感じられます。

ただし、無秩序なものではなく、そこには美しさが醸し出されています。

バス・クラリネットのノイズ的な音色や、どこかトボけていてユーモラスな響きもとても魅力的です。

ドラムの Tony Williams による、フリーと定型を変幻自在に行き来する演奏も素晴らしいものです。このアルバムのもうひとつの主役といえるくらいです。

特に、1曲目の途中、Bobby Hutcherson のビブラホンに反応し、バス・ドラムをキックするあたりは、聴いていてゾクゾクとさせられます。

トランペットの Freddie Hubbard の、いかにもスタンダードなジャズといった趣きのソロも、ほかのメンバーのフリーなソロの中で魅力的なアクセントになっています。

いわゆるジャム・セッションではない、事前にしっかりと打合せを重ね、リハーサルを繰り返し、入念に作り込まれたアルバムと見ていますが、どうでしょうか。

Eric Dolphy / Out to Lunch（1964年）

A1：Hat and Beard
A2：Something Sweet,Something Tender
A3：Gazzelloni

B1：Out to Lunch
B2：Straight Up and Down

このブログの人気の投稿

菊地雅章（Masabumi Kikuchi）/ SUSTO（ススト）～圧倒されて涙ぐんだ

僕がレコードを買い始めた80年代初め頃、参考にしていたのは、まずはラジオやテレビ――小林克也氏のベストヒットＵＳＡなど――でした。でも、聴き流していただけで曲名をチェックし忘れたりもします。メジャーなジャンルではない、曲が長すぎる、など様々な理由でラジオ・テレビで流れないことも多い。そのため、雑誌など活字情報も参考にしました。しかし、文字で音楽の魅力を伝えきることは不可能。メロディー・ハーモニー・リズムを譜面という記号に変換して伝える方法もありますが、それも受け手に「解読」する能力がなければ意味がないし――もちろん僕にその能力はありません――、ボーカルや楽器の音色、質感については、記号化することもできない。なので、それまで聴いたこともなくBig Nameでもないアーティストのレコードを、活字情報を鵜呑みにして買うのはリスキーです。シマッタ!と思うことも一度や二度ではなかったのです。菊地雅章（きくちまさぶみ）の「SUSTO（ススト）」も、音楽誌の情報だけで買いました。当時は彼も「知る人ぞ知る」存在でした。でもその中味は、競馬新聞だけを参考にして馬券を買って、万馬券を引きあてた時はこんな気分か――当時も今も買わないからよく分からない――、と思うくらい素晴らしいものでした。以下、矛盾するようですが「SUSTO」の魅力を文字で伝えることにします。駄文となるのを覚悟の上で・・・。金属的な音のシンセのユニゾンから音楽は始まります。ベース・ドラム・リズムギターが、不思議なリズムパターン――７拍子なのにバスドラムは２拍子を打ち出す――を繰返し始めます。長く複雑なメロディーの一部を切りだしたかのような断片的なメロディーを、ソプラノ・サックスやシンセが、エキセントリックに奏でます。総勢15名のプレイヤーが様々な音色を重ねてゆく。ソロらしい長いソロはなく、即興的な短いフレーズが重なり、共鳴する。その流れの中に突然割り込んでくる、何種類かの固定されたメロディーとリズムのパターン、超重低音。この15分にも及ぶCircle / Lineは、とにかく圧倒的でした。曲の終盤で二回繰り返されるパターンを最初に聴いた時は、高揚して涙ぐみそうでした。本当です。作者の菊地雅章は、Miles DavisとGil Evansに大きな影

LAUREL HALO / CHANCE OF RAIN ～宅録女子の躍進

エレピの音から入る短い1曲目に続き、2曲目はベースだけが固定されていて、ドラム、シンセ、パーカッションの断片的なフレーズが飛び交う、複雑でセカセカさせるくらいの曲調。 3曲目は一転して、ドッシリ、ユッタリしたビートが淡々と続く展開。 4曲目は再び速めのビートですが、様々なパターンが入れ替わり立ち替わり、あらわれては消えてゆく、典型的なテクノ的展開。 B面の1曲目はストリングスや管楽器が主体の短い曲。2曲目以降は再びテクノ的な曲続き、最後はピアノの短い曲で終わります。１つ１つの曲は、テクノの基本となるミニマルな要素で構成され、ボーカルや楽器のソロもありません。しかし、様々なパターンやフレーズを巧みに配置し組み合わせて構成されていて、曲ごとにリズムやサウンドも異なり、単調な感じはありません。また、全体をとおして特徴的なのは、音の質感です。当時のEDM系などのクリアな音とは正反対に、少しくぐもっていてザラザラした感じで、新鮮に聴こえました。ところで、この作品「CHANCE Of RAIN」は女性アーティスト Laurel Halo（ローレル・ヘイロー）が、クレジットをみる限り一人で創った作品です。いつの頃からか、音楽サイトやCDのライナー・ノーツなどで「宅録女子」という言葉を目にするようになりました。正式な定義（？）は目にしたことはありませんが、自宅で安価な汎用機材を使い、一人で曲をつくりあげる女性アーティストのことだと思われます。彼女はその典型の一人でしょう。しかし、この作品から「女性らしさ」は全く感じられません。同じHyper Dubというレーベルからは、Ikonikaという「宅録女子」の作品も出ていますが、そのサウンドも女性らしさを感じさせるものではありません。そして、それぞれ、とても個性的なサウンドです。 Ikonikaの場合、CDやレコードに顔写真が載っていなかったので、長い間女性と分からずに聴いていて、時々出てくる本人のボーカルも「ゲスト・シンガーの声だろう」と思っていたくらいです。メンバーを集めてバンドを作る必要がなく、スタジオという共用の空間に入る時間も少ない「宅録」というスタイルは、性別という社会的な属性をアーティスト自身が意識させられることから自由なため、個人がそのまま強く表に出る。女

FUMIYA TANAKA / MIX-UP Vol.4 ～渋谷シスコ・テクノ店の思い出

1996年のある週末、いつものように渋谷のタワーレコードかHMVでCDを買って帰りかけていた時、唐突に「高校の頃に友達と、ここらへんの感じのよいレコード屋に来たことがあったな」と思いだしました。実はそのころ、同じアーティストの作品ばかり、それも決まった店で買うことが続いていて、退屈気味だったのです。たまには目先を変えてみよう、と思いその店を探してみることにしました。不思議なことに20年近く前に一度行ったきりなのに、階段を上ったところにあるその店にすぐに辿りつきました。今はなき「シスコ・レコード」のテクノ店です。もっとも、前に行った時は70年代ですから、当然「テクノ店」ではなかったのですが･･･中に入ると、真ん中のスペースと壁側のほとんどはアナログ・レコードで、CDが置いてあるスペースはごくわずかです。当時、レコード・プレイヤーは壊れてしまっていて、また聴きたい作品のほぼ全てをCDに買い替えていたため、レコードは聴いていませんでした。何か場違いな感じがしながらCDを物色して、何も分からないまま、ジャケットのセンスだけで一枚購入。とても幸運なことに、それは当時「テクノ・ゴッド」とまで形容されていた日本人アーテイスト、Ken Ishiiの別名義Flareの「GRIP」というアルバムでした。目が覚めるような鮮烈で不思議な響きの音とリズム。冒頭の音から一瞬で魅了されました。この作品の発売日から、それは1996年の10月末頃のこと、ということになります。それからは毎週末のように「シスコ」に通い、CDを２枚、３枚と買うことになります。まずには「GRIP」と同じSublime Recordsレーベルの作品を中心に、他はジャケットやアーティストの顔から「エイヤ!!」で選びました。当たりもハズレもあったけど、僕にとっての「新しいアーティスト」を探すことを、久しぶりに楽しんでいました。そんな1996年の12月、FUMIYA TANAKA（田中フミヤ）のMix-CD、「MIX-UP Vol.4」に出会ったのです。 FUMIYA TANAKA / MIX-UP Vol.4 1：JAMM'IN(MXU EDIT) / FUMIYA TANAKA 2：INSISTENCE / FUMIYA TANAKA

SLY & THE FAMILY STONE / FRESH ～最近秘密を知りました

Sly & The Family Stone（スライ＆ザ・ファミリー・ストーン）の1973年のアルバム「Fresh」を最初に聴いた時、感じたのはある種の違和感です。サウンドが暗く不鮮明で、くぐもった感じがしたのです。「録音状態が悪かったのかな？」と、思ったくらいでした。時期としては'80年代の後半、輸入盤のCDだったと記憶しています。僕はその当時まで、ディスコ系の音楽や、テクノ・ポップ、フュージョンをよく聴いていました。違和感の原因のひとつはそれでしょう。これらのジャンルの作品は、音質もサウンドも、クリアで明快なものが主流でした。もうひとつの理由は、彼らのそれまでの作品とのギャップです。僕が最初に Sly & The Family Stone を聴いたのはその数年前のこと。'70年のベスト盤「Greatest Hits」です。ブラスのリズミックなリフと高揚したボーカルの「I Want To Take You Higher」や、強く跳ねる（元祖？）チョッパー・ベースが前面に出た「Thank You Falettinme Be Mice Elf Agin」など、明快で強烈、ポジティブなイメージの曲が並ぶアルバムでした。そのあと、'71年の「There's a Riot Goin' On（暴動）」も聴きました。これを転機として、Sly & The Family Stone のサウンドが一変したといわれている作品です。たしかに、同アルバムでは「Greatest Hits」に比べれば、ずっと落ち着いていてシリアスな印象の曲が並んでいます。しかし、それでも「Fresh」のような暗さや不鮮明さは感じられませんでした。とはいえ、違和感を持ちながらも「Fresh」を聴かなくなったわけではありません。その逆です。どこか引っかかる魅力があって、僕はしょっちゅうこれを聴いていたのです。特に気になったのが、1曲目「In Time」と、2曲目「If You Want Me to Stay」です。「In Time」は、リズム・ボックスにシンクロしたドラムから始まります。クラビネットのリフに、細切れのオルガンやギターの和音が加わります。突き刺さるような高音は目立ちません。その代わり、なにかくぐもった感じが、曲の初

TOSHINORI KONDO IMA / 大変～近藤等則による日本のパンク・ポップ

ジャングル・ビートと祭り囃子が一緒になったような、ドンドコ、ドコドコという強烈なリズムでの幕開け。「タイヘン、タイヘン、ヘンタイ、タイヘン」と、囃子言葉か掛け声のような短い言葉で唄が続きます。そのあとにトランペット。これが、TOSHINORI KONDO IMA（近藤等則 IMA）の1984年のアルバム「大変」の1曲目、「タイヘン」です。ビートといい、歌詞といい、ボーカルや楽器の脳天気な響きといい、聴くなり、なんだこりゃ…！といった印象です。近藤のトランペットが独特です。70年代の Miles Davis に近い気もするし、かなり違う感じもします。動物の鳴き声や、人の叫び声のような音、濁った音を自在に繰り出します。途中、ドラムのヒットに合わせて、近藤らのボーカルのサンプリングが入ります。終盤には「アタフタ、アタフタ」という掛け声も加わります。そんな曲が、8分近くにわたって続きます。 2曲目は「ザ・デイ・アフター」です。前年にアメリカで高視聴率を記録し、日本でも話題になった同名のテレビ映画から採ったタイトルです。 1曲目とは一転して、静かに、ゆったりとメロディーラインが奏でられます。エフェクトのかかったドラムに続いて、近藤の唄がベースとユニゾンします。映画は、核戦争後の世界を描く内容です。歌詞もそれに沿っています。唄の背後には、ノイジーなトランペットが散りばめられています。近藤の奇声も重なります。ユーモアを含んだ言葉が続き、メロディは明るいものとなっています。そのため、かえって不気味なメッセージが伝わってきます。このアルバム「大変」では、全体を通して、ベース、ドラム、近藤やコーラスの唄、トランペットが曲の骨格となっています。ギターは、コードをカッティングするというよりも、ノイズ的な音を打ち出すのが役目です。パーカッションも、リズムを構成するというよりも、空間を埋め、サウンドに彩を与えるのが役割です。そのため、どの曲も、とてもシンプルな構成に聴こえます。エネルギーに満ちたサウンドが、ダイレクトに突き刺さってきます。全6曲中、5曲に唄が入ります。歌詞は日本語です。メロディーも和風です。人の声、楽器、テープレコーダーの音など、さまざまな音のサンプリングも散りばめられています。そうしたサウンドの中で、近藤はトランペットを吹きまくります。自由奔放なライ

Yujin 思い出のレコード

このブログを検索